Geschafft!

Abgelegt unter: Allgemein, Der tägliche Wahnsinn... am 01.02.2010 von Sven

Frisches BackUp von funpic gezogen und neu aufgespielt! Soweit steht das alte System erstmal wieder!

Die Übertragung der SQL-Datenbanken hatte dann doch reibungsloser geklappt als zunächst gedacht (nach ein oder zwei Stolperfallen!) und es müssen nun nur noch in den nächsten Tagen/Wochen/Monaten sämtliche interne Verlinkungen, von diesem Blog auf dieses Blog selbst, von funpic.de also auf scopescura.de in den einzelnen Seiten und Beiträgen umgestellt werden.

Solange dieser Brocken noch nicht abgearbeitet ist, werdet ihr z.B. wenn ihr einen Film auf unserer “Die Filmkritiken A bis L” bzw. “M bis Z” Seite auswählt, derzeit noch auf den alten Server, also auf “http://www.scopescura.de/wordpress/” anstelle von “http://www.cyphix.cy.funpic.de/wordpress/” umgeleitet.bei einem solchen Namen könnt ihr javermutlich  verstehen warum ich damals eine, wenn auch nur kostengünstige, Überdomain mit .tc ausgewählt habe!

Selbst ein www.weltraumaffe.de.tc sollte sich einfacher zu merken sein, als ein www.cyphix.cy.funpic.de/worpress/.

Falls euch aber mal nun eine solche Falschumleitung auf den alten Server begegnen sollte gilt zunächst einmal: Ruhe bewahren! Ihr könnt jederzeit über den Header oder die Rückkehrfunze eures Browsers wieder zur eigentlichen bzw. unserer neuen Quelle zu uns zurückgelangen. Die gröbsten Fehler hierbei dürften allerdings auch bis Ende dieser Woche von mir beseitigt sein.

Ich werde mich dabei entweder chronologisch rückwärts durchs Archiv copy&pasten, so dass aktuellere Beiträge auch schneller wieder richtig umleiten als die älteren Artikel, oder aber ertsmal (vermutlich zeitsparender und cleverer) entweder nach einem Plugin für Wordpress suchen oder die Beiträge mit “Suchen & Ersetzen” in der SQL-Datenbank abarbeiten.

Wenn das dannn irgendwann auch einmal geschafft sein sollte, werde ich den Account bei funpic entgültig killen und dieses düstere Kapitel des weltraumaffen somit ein für alle Mal abschließen können. Und wenn ich dann noch irgendwann einmal wirklich Zeit und Muße finden sollte, werde ich bei HostEurope meine zweite Datenbank anlegen und über die Hauptdomain dann einen eigenen kleinen, zusätzlichen Blog eröffnen.

Über “www.scopescura.de”, so der vorläufige Plan, werdet ihr dann einen weiteren Blog names… na eben “ScopeScura” besuchen können, während ihr aber gleichzeitg aber entweder über “www.scopescura.de/weltraumaffe/” oder natürlich auch “www.weltraumaffe.de.tc” wie gewohnt zu dieser Seite finden könnt.

So, das währen erstmal die wichtigsten Updates meinerseits. Falls euch aber noch irgend etwas anderes zusätzlich aufallen solle, wie z.B. ein invalider RSS-Feed, Kommentar- oder Layout- bzw. Designfehler, 404-Pages, kaputte Artikel… etc! Lasst es mich einfach irgendwie wissen, damit ich mich darum kümmern kann.

Autor: Euer aller Lieblingsadmin, Sven!

Inglourious Basterds

Abgelegt unter: Dem André ihm seine Kritiken, Filme am 18.09.2009 von André

Wenn Tarantino einen neuen Film ankündigt, dann ist das jedes mal ein großes Highlight für Kinofans. Monatelang wird im Internet über das neue Projekt spekuliert und egal wie viel man auch darüber im Vorfeld zu wissen glaubt, das Endergebnis ist jedes mal überraschend. Bei „INGLOURIOUS BASTERDS“ ist das nicht anders, ein Drama über den II.Weltkrieg, lose basierend auf einem – beinahe – gleichnamigen Action B-Movie aus den 70ern, angelehnt an die Struktur der wuchtigen Italowestern, nicht weniger ausschweifend als „SPIEL MIR DAS LIED VOM TOD“ und trotzdem natürlich schwer zu vergleichen.

Dabei ist „INGLOURIOUS BASTERDS“ zu 100% Tarantino, will heißen, auch dieser Film ist voll von Zitaten, Referenzen, ausgefeilten Dialogen, kultverdächtigen Charakteren und selbstverständlich eine – bisweilen sogar die deutlichste – Hommage ans Kino, die Tarantino je verfilmt hat.

Eine große Überraschung ist mit Sicherheit die Sprachgewichtung des Films, zu jeweils einem Drittel wird sowohl französisch, englisch als auch deutsch gesprochen. Dabei übertragen sich die zugespitzten Dialoge von Tarantino in jede der Sprachen hervorragend und wirken zu keiner Zeit unglaubwürdig oder aufgesetzt. Ein Beweis dafür, wie großartig Tarantino mit Sprache umgehen kann, für all jene die meinen, er würde seine Dialoge doch nur aus anderen Filmen kopieren. Das Kopieren oder Klauen von älteren Filmen ist ein wichtiger Bestandteil der Filmkunst; nur durch Wiederholung kann man einen Vorgang verbessern, nur durch das Abgucken von Größeren, kann man sich selbst weiterentwickeln und durch den Prozess, durch das Kopieren von Versatzstücken, entdeckt man auch neue Perspektiven und kann großen Meisterwerken z.B. beim Film, neue Aspekte abgewinnen. Tarantino tut dies ja keinesfalls unüberlegt, er recherchiert Jahre für einen seiner Filme, tüftelt Ewigkeiten am Drehbuch herum und lässt immense Zeit vergehen, ehe es zum fertigen Film kommt. Seit 20 Jahren macht der Mann schon Filme und „INGLOURIOUS BASTERDS“ ist grade mal sein sechster.

Das großartige aber ist, dass man die vielen Zitate und Kopien und Referenzen gar nicht verstehen muss, um „INGLOURIOUS BASTERDS“ genießen zu können, denn auch für Tarantino ist die Geschichte eines Films vordergründig und in diesem Fall ist sie sogar – oder vielmehr deren Ausgang – von enorm Wichtigkeit. „INGLOURIOUS BASTERDS ODER WIE DAS KINO DIE NAZIS BEZWANG“ eine über deutliche Aussage – Tarantino ist kein Fan von subtilen Andeutungen – die über dem Film steht, ein spektakuläres Kriegsmärchen nicht weniger propagierend als „STOLZ DER NATION“ – der Film im Film – und ein Paradebeispiel für die Macht des Kinos, die Kraft des Geschichtenerzählens, die Möglichkeit, die Dinge zu verändern, zu beeinflussen und – wenn auch nur für den Moment – zu Idealisieren. Eine große Liebeserklärung an das Kino, wie alle Tarantino-Filme, nur diesmal unübersehbar.

Bis es zu jenem furiosen Ende kommt, ist „INGLOURIOUS BASTERDS“ eine Chronik starker Momente, eine Ansammlung minutiös Inszenierter, unendlich ausschweifender, und dabei zu jederzeit extrem unterhaltsamer, Szenarien, bei denen Tarantinos größte Stärken zum Ausdruck kommen. Niemand zelebriert Nichtigkeiten und Randnotizen in seinen Dialogen so penetrant und gekonnt wie er. Niemand schenkt seinen Charakteren so viel Zeit zum entfalten. Niemand würde sich trauen einen grimassierenden Brad Pitt, neben einen brillant agierenden Christoph Waltz aufzustellen und niemand würde eine zutiefst ernsthafte und verletzte junge Frau, Rache an einer klischeeüberfrachteten Karikatur üben lassen. Der Film traut sich einfach alles; er lässt einen spitzbübischen Sauhaufen Nazis skalpieren, er nimmt sich wertvolle Minuten, um ein sich selbst erklärendes Partyspiel im Detail zu erörtern und er lässt einen mittelprächtigen David Bowie Song während einer ankleide Szene ertönen, der erst vierzig Jahre nachdem die Szene spielt, geschrieben wurde.

Das Beste ist, dass einen all diese Dinge keinesfalls überraschen dürften, überraschend ist die einnehmende Präsenz von Christoph Waltz als SS-Oberst Hans Landa oder die Auftritte der vielen deutschen Darsteller, die sich im internationalen Vergleich keine Blöße geben. Überraschend ist die starke Performance der hierzulande unbekannten Mélanie Laurent als Shosanna und die im Vergleich dazu völlig nebensächliche Anwesenheit von Brad Pitt und seinen Basterds. Überraschend ist, dass „INGLOURIOUS BASTERD“ anspruchsvoll genug ist um ernst genommen zu werden und gleichzeitig trashig genug um kultig zu sein.

Ihn auf Grund seiner Thematik, als Befreiungsschlag aus der Betroffenheitsecke, der immer gleichen II.Weltkriegsdramen zu sehen, ist allerdings ein wenig hoch gegriffen, dafür verfremdet der Film seine Charaktere und seine Handlung viel zu stark. Ohnehin sollte „INGLOURIOUS BASTERDS“ nicht als freier Kommentar zum II.Weltkrieg verstanden werden, sondern als ausdrucksstarke Metapher für die Macht von Film und Kino und als solche gefällt er so gut, dass man ihm das starke Eigenlob vergibt und den selbst ausgestellten „Meisterwerk“ Stempel gerne unterschreibt.

Autor: André

Rundumschlag der Kurzreviews (Aug09)

Abgelegt unter: Dem André ihm seine Kritiken, Filme am 18.09.2009 von André

ZERRISSENE UMARMUNGEN

In Spanien zählt Regisseur Pedro Almodóvar schon lange zu den Besten seiner Zunft. International ist er vor allem seit seiner spritzigen Komödie „VOLVER“ (ebenfalls mit Penélope Cruz) in aller Munde. Mit „ZERRISSENE UMARMUNGEN“ präsentiert Almodóvar nun ein nicht minder prachtvolles, farbenfrohes Melodram.

Die Geschichte dreht sich um einen erblindeten Regisseur und Autoren, der sich an die große Liebe seines Lebens zurück erinnert und damit alte Wunden und längst Vergessenes, wieder ans Licht bringt.

Die große Liebe ist natürlich Penélope Cruz, Almodóvars erklärte Muse, die wohl keiner wie er so wunderschön, stark und zerbrechlich zugleich, in Szene setzen kann. Ich bin wirklich kein großer Fan von Cruz, aber was Almodóvar mit ihr macht und aus ihr raus holt, ist einfach großartig.

Der Erzählung kann man hingegen ein paar Längen nicht absprechen, das stört aber nicht wirklich angesichts der prachtvollen Bilder und minutiösen Inszenierung. Die Farbpalette ist reich, satt und bunt, wirkt aber niemals aufgesetzt oder kitschig. Hinzu kommt die präzise Inszenierung, die nahezu perfekte Kamera und natürlich die – größtenteils – großartig agierenden Darsteller.

„ZERRISSENE UMARMUNGEN“ ist ein Kunstwerk von höchstem Niveau und sollte keinesfalls versäumt werden, angesehen zu werden.

COCO CHANEL

Ohne Zweifel gehört Chanel zu den einflussreichsten und gefragtesten Modelables weltweit und dessen Gründerin Coco, mit Sicherheit zu den Interessantesten Persönlichkeiten ihrer Zeit. Leider gestaltet sich der daraus resultierende aktuelle Film „COCO CHANEL“, als ebenso schlicht und farblos, wie der, seiner Zeit so prägnante Modestil.

Der Film erzählt von den jungen Jahren, der ehrgeizigen und vorlauten Coco, die sich als Waise aus dem Nichts etabliert und ihre Leidenschaft für Mode entdeckt. Im Fokus der Geschichte stehen allerdings noch viele andere Themen, von denen sich keines so richtig ins Zentrum rücken lässt und man sich daher laufend fragt, was der Film eigentlich erzählen möchte. Der Bezug zur Mode ist jedenfalls genauso schwammig und wage, wie die aufgesetzte Dreiecksbeziehung oder Cocos innige Verbundenheit zu ihrer Freundin.

Regisseurin Anne Fontaine führt äußerstunfokusiert und belanglos durch die Erzählung und gestaltet einen sehr konventionellen und eintönigen Biographiefilm ohne nennenswerte Höhepunkte. Das Audrey Tautou trotzdem keine schlechte Figur macht, ist für ihre Fans vermutlich der einzige Grund diesen Film dennoch zu ertragen.

PUBLIC ENEMIES

Ein Crime-Thriller von Michael Mann ist eigentlich immer eine sichere Sache. Nicht so jedoch bei „PUBLIC ENEMIES“, obwohl Mann mit seiner Stammcrew arbeitet und mit Johnny Depp und Christian Bale, zwei Topdarsteller besetzt, bleibt der Film über weite Strecken uninteressant und fade.

Inhaltliche Schwächen und fehlender emotionaler Zugzwang, wahren ja schon Bestandteile von „MIAMI VICE“, dafür entschädigte aber der düster-coole Buisnesslook. In Sachen Ästhetikkk und Visualisierung kann „PUBLIC ENEMIES“ da aber nicht mithalten, ohnehin ist die kühle, klare Optik für einen Genrefilm, der in den 30ern spielt, sehr gewöhnungsbedürftig und die oftmals uninsperierte, schlampige Kameraführung scheint der reichen Ausstattung und den Ansprüchen eines Michael Mann nicht gerecht zu werden.

Obwohl der Film auch sehr gelungene Momente hat und keiner der Darsteller negativ auffällt, lässt einen die Geschichte ziemlich kalt und die Referenzen zu Michael Mann machen diesen normalerweise passablen Streifen zu einer echten Enttäuschung, die man lieber übersehen sollte.

G.I.JOE – GEHEIMAUFTRAG COBRA

Der Erfolg der TRANSFORMERS-Filme beschert Hasbro dicke schwarze Zahlen, darum schickt der Spielzeuggigant, gleich mal die zweite seiner große Spielzeug-Actionserien in die Lichtspielhäuser. G.I.Joe ist hierzulande gänzlich unbekannt, wird aber in den Staaten groß gefeiert, es handelt sich um eine international operierende, streng geheime, militärische Spezialeinheit, bestehend aus Superagenten mit besonderen Fähigkeiten in allen bekannten und unbekannten Waffen- und Kampftechniken.

Der Film ist natürlich mindestens genauso bescheuert, lächerlich und inhaltslos zusammengetackert, wie die Vorlage. In vieler Hinsicht ist „G.I.JOE“ aber trotzdem genau das was TRANSFORMERS nicht sein konnte, nämlich unbeschwert unterhaltsam sowie freiwillig und unfreiwillig komisch. Im Gegensatz zu TRANSFORMERS, ist sich der Film nämlich seines niedrigen Niveaus und den oberflächlichen Figürchen durchaus bewusst und kaschiert dies mit einem Overkill an akzeptablen bis peinlichen Computeranimationen und gut gelauntennnnnn Darstellern, vorweg sogar einige Könner wie Dennis Quaid, Senna Miller und Joseph Gordon-Levitt, die hier selbstverständhoffnungslosnglos unterfordert werden.

Natürlich rechtfertigt die reichhaltige Action und das gehobene Trashlevel noch lange nicht die Kinopräsenz von „G.I.JOE“, aber lieber würde ich mir diesen Quatsch dreimal hintereinander anschauen, als noch einen einzigen TRANSFORMERS-Film von Michael Bay.

Autor: André

Edge of Love

Abgelegt unter: Dem André ihm seine Kritiken, Filme am 22.07.2009 von André

edgeofloveEin neues Liebesmelodram von der Insel, da durfte man doch sehr gespannt sein, besonders da das Letzte dieser Art für so viel positives Aufsehen, bis hin zu den Oscars® sorgte.

In der Hauptrolle erneut Keira Knightley, die derzeit etwas festgefahren wirkt, spielt sie doch schon zum dritten Mal in Folge, die romantisch verklärte Lady in historischem Gewand. Aber seis drum, wenn sie mit süßlichem Lächeln, in tollen Kostümen, das Unschuldslamm verkörpert und dabei gleichsam zerbrechlich, wie wunderschön, mit der Zigarette kokettiert, dann hat das durchaus seinen Reiz.

Nicht minder reizvoll, sogar um einiges Interessanter, ihre Spielgefährtin Sienna Miller, die hier eine laszive, leicht manische, Freigeisttänzerin mit Hang zum Masochismus verkörpert. Zu den Damen gesellt sich Matthew Rhys, als liebestoller Lebemann und exzessiver vollsuff Dichter, Dylan Thomas.

Die drei verstricken sich in einen klassischen, wenn auch liberalen, Liebesreigen, bei dem sie sich gegenseitig, mal freundschaftlich, mal verführerisch oder mal hinterhältig, den Kopf verdrehen, um sich so die bittere Zeit des Krieges zu versüßen. Auch wenn die drei schon genügend Potenzial mitbringen, sich ihr Leben gegenseitig schwer zu machen, wird es erst richtig kritisch, als Soldat und Frontmann Cillian Murphy auf der Matte steht, um Keira den Hof zu machen.

In Ereignisfreier Lethargie und unnötigen Effektspielereien, entfaltet Regisseur John Maybury sein Liebesmelodram „EDGE OF LOVE“ auf der großen Leinwand. Augenscheinlich fehlt es dem Film eindeutig an Höhepunkten, Dramatik, echten Emotionen und Budget, um den Zuschauer wirklich zu packen. Hinzu gesellen sich noch etliche Drehbuchmängel, die das Potential der einzelnen Charaktere gekonnt zu verhindern wissen und ihnen niemals ein echtes Profil gönnen, von dem sie zehren können. Sämtliches Handeln der Figuren wirkt sprunghaft und unmotiviert, ihre Konstellationen und Gefühle füreinander verschwommen und unklar. Auch richtet sich der Fokus der Erzählung auf viel zu viele Themen, die allesamt nur angerissen und inkonsequent aufgegriffen werden, in Folge dessen vermag keine dieser, an sich spannenden Perspektiven, zu fruchten.

Maybury präsentiert hier eine enorm unausgegorene Geschichte, von der völlig unklar bleibt, was sie nun eigentlich erzählen will. Das Potential ist durchaus spürbar, allein die Anwesenheit des Dichters Thomas samt seiner ironisch, zynischen Kommentare zum Geschehen, lassen die Ambitionen der Erzählung erahnen und auch die beiden Ladys hohlen das Möglichste aus ihren Figuren heraus. Etwas Abseits, ja fast schon überflüssig, gerät hingegen Cillian Murphy, der die Spannungen des Dreigestirns immer wieder unterbricht, um sein eigenes klischeeverseuchtes Kriegstrauma zu überwinden, eine zweifelsohne undankbare Rolle..

Hinzu gesellt sich das Ärgernis der uninsperierten Inszenierung von Maybury, der sich zu Anfang in albernen Montagen und nervigen Kameraspielchen wie, Unschärfen, Verzerrungen, mehrfach Überblendungen und Weichzeichnern verrennt, nur um anschließend die völlige Tristesse in Grautönen abzufeiern.

Man darf also behaupten, dass diese unausgegorene schlichte Präsentation, als durchaus überflüssig betrachtet werden kann und sich mit der erzählerischen Finesse und der ambitionierten Inszenierung von „ABBITTE“ überhaupt nicht vergleichen lässt, da helfen auch keine guten Darsteller mehr und selbst Genrefans dürften mächtig enttäuscht werden.

Autor: André

Harry Potter und der Halbblutprinz

Abgelegt unter: Dem André ihm seine Kritiken, Filme am 16.07.2009 von André

harrypotter6Mit mehr als acht Monaten Verspätung kehrt Harry Potter, in seinem nunmehr sechsten Abenteuer, auf die große Leinwand zurück. Sehnsüchtig und mit so manchen Frusterscheinungen haben die Fans auf diesen Moment gewartet. HARRY POTTER UND DER HALBBLUTPRINZ ist in vielerlei Hinsicht, der heimliche Star der sieben teiligen Reihe, um den berühmten Zauberlehrling und auch wenn es der Film schon längst nicht mehr vermag, der Komplexität der Buchvorlage gerecht zu werden, so hat er mich dennoch vollstens überzeugt.

Wie schon im Vorgänger, geben Regisseur David Yates und Drehbuchautor Steve Kloves ihr Bestes, um der umfangreichen Geschichte, samt ihrer zahlreichen, liebgewonnenen Charaktere, Herr zu werden. Dies geht natürlich nicht ohne so manche Einschnitte von statten und so mussten erneut zahlreiche Nebenerzählungen und genauere Erörterungen unter dehn Tisch fallen. Doch Yates kennt sein Publikum und weis, dass er sich im sechsten Teil nun nicht mehr um Neueinsteiger zu kümmern braucht, längst haben die epochalen Geschichten, um Harry Potter, den Horizont eines, selbst 2 ½ stündigen, Kinofilms überschritten, doch auch wenn die Zeit knapp bemessen ist, nimmt sich Yates durchaus die Freiheit für eigene Ideen und überrascht durch so manch ironische Anspielung und viele ambitionierte Einstellungen, selbst hartgesottene Genrekenner und Fans.

Erneut dreht sich die Geschichte um Zusammenhalt, Vertrauen, Freundschaft und den immerwährenden Kampf Gut gegen Böse. Finstere Zeiten brechen über die Zaubererwelt herein, die Stimmung ist bedrückend und die Gefahr immer gegenwärtig. Erleichternd wirkt da das Hormonchaos der Zauberteenager, die trotz – oder grade weil – aller Bedrohung, ihre Gefühle füreinander entdecken, was zu so manch peinlichen Momenten, Missverständnissen und unkontrollierten Gefühlsausbrüchen führt. Für den Zuschauer fühlt sich das ein bisschen nach Daily Soap an, tut aber der gepflegten Unterhaltung und guten Lauen, durch viele witzige Situationen, keinen Abbruch, auch wenn die Probleme trivial wirken – es sind doch noch Teenager.

Insgesamt behält Yates aber die düstere Grundstimmung des Vorgängers bei und nutzt die Teenieallüren lediglich um die äußerst bedrückende und schwere Stimmung des Films, ein wenig aufzuheitern. Mit jeden Teil wird die Atmosphäre düsterer, die Erzählung erwachsener, längst hat Harry Potter das Kindergartenniveau verlassen und muss sich echten Bedrohungen und Verlusten stellen.

Die Qualität des Films hält den Erwartungen stand und wirkt angesichts vieler Enttäuschungen im Blockbusterbereich, überaus beruhigend. Wenigstens einige Dinge werden, zwar auch, aber eben nicht nur, mit dem Rechenschieber abgehandelt und so kann man sich nun wieder der Vorfreude, um den ersten Teil des großen Finales von Harry Potter, schon Ende des kommenden Jahres, gefast machen.

Weiter so…

Autor: André

“Die Gräfin” und “Kommissar Bellamy”

Abgelegt unter: Dem André ihm seine Kritiken, Filme am 14.07.2009 von André

diegrafinDIE GRÄFIN

Die zweite Regiearbeit von Julie Delpy wirkt ausgesprochen ambitioniert und besticht durch düster, gruftige Mittelalteroptik und ein hervorragendes Darstellerensemble – von der ungewöhnlichen Besetzung Daniel Brühls mal abgesehen.

Dennoch kann der Film nicht so recht zünden, ob das nun an der kühlen Gräfin oder der sprunghaften Erzählung liegt, ist schwer zu sagen. Es fällt nicht leicht, die emotional tote Gräfin zu bemitleiden, wenngleich ihr innerer Konflikt, sich in einem Patriachart stets als gefestigt, emanzipiert und unabhängig, behaupten zu müssen, aber gleichzeitig die verletzlichen Gefühle der – ihr fremden – Liebe und Zuneigung zuzulassen, sorgfältig herausgearbeitet werden.
Als schwierig gestalten sich auch die unvermeidlichen Zeitsprünge der Geschichte, die einen aus dem aktuellen Geschehen zu reißen scheinen und dann wiederum völlig neue Handlungsansätze zu Tage fördern. Soviel Vielseitigkeit und ambitionierter Ansatz sind begrüßenswert, häufen sich nur leider zu stark, um allesamt konsequent zum Ende gebracht zu werden.

Mehr oder weniger erfrischend, wirken hingegen die konsequent und ungeschönt eingefangenen Gewalttaten, welche für dieses Genre völlig untypisch sind und den – oft schon im Vorfeld – weichgespülten und romantisierten Blick auf einen Kostümfilm, wieder für wesentlichere Inhalte schärfen.
Im Großen und Ganzen also ein sehenswerter Film, der vielleicht etwas zu viel will, aber allein schon durch die dominante Hauptdarstellerin, Regisseurin und Komponistin Julie Delpy Beachtung verdient.

bellamyKOMMISSAR BELLAMY

Von einem derart etablierten und dem Autorenkino verschriebenen Regisseur durfte man in der Tat mehr erwarten.

Claude Chabrol gehört zum festen Bestandteil des französischen Kulturkinos und machte sich vor allem durch wohlkomponierte Beziehungsdramen einen Namen im Arthouse. Um so überraschender wirkt also die Nichtigkeit seines neusten Werkes KOMMISSAR BELLAMY welcher von einem mächtig untersetzten, aber nicht weniger berühmten Gérard Depardieu – im wahrsten Sinne des Wortes – verkörpert wird.

BELLAMY ist dem Anschein nach ein leiser und recht unspektakulärer Krimi, versteift sich aber im Laufe der Handlung Zusehens auf Banalitäten und Nichtigkeiten des Alltags. Anstelle des Mordfalls wird die Figur des Kommissars ins Zentrum der Erzählung gerückt, seine beruflichen Ambitionen aber nahezu gänzlich ausgeblendet. Das ist überraschend, aber nicht zwangsläufig spannend, auch wenn Depardieu und Co eine ganz passable Leistung abliefern und der Film durch seine beengte und statische Kamera wie ein kleines Kammerspiel anmutet.

Leider will sich aber nun wirklich so gar keine Spannung aufbauen und so verliert sich der Film in seiner eigenen Monotonie bis zur unweigerlichen Tragödie am Ende, die auch nicht unspektakulärer Inszeniert sein könnte.

KOMMISSAR BELLAMY ist elitärer Blödsinn der sich an seiner eigenen Sinnlosigkeit ergötzt und nur ermüdet anstatt zu unterhalten, auch wenn Depardieu nichts von seinem Charme einbüßt.

Autor: André

Transformers • Die Rache

Abgelegt unter: Dem André ihm seine Kritiken, Filme am 28.06.2009 von André

transformersc2b2Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang pubertär Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM

Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow niveaulos KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM anspruchslos BUM Bang Peng BOOM Pow

KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM sinnentleert
Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow

KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow prahlerisch KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM geschmacklos BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang

Peng BOOM Pow respektlos KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang

Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM langweilig BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM ordinär BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang
Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang

militaristisch Peng BOOM Pow KAWUMM BUM Bang

Peng BOOM Pow KAWUMM BUM impotent Bang!!!

Autor: André

Transformers – Revenge of the Fallen

Abgelegt unter: Dem Sven ihm seine Kritiken, Filme am 26.06.2009 von Sven

transformers-die-rache

05-spacemonkeys.png

Inhalt: KABUMM!!!

Kritik:

“An explosion is a sudden increase in volume and release of energy in an extreme manner, usually with the generation of high temperatures and the release of gases. An explosion creates a shock wave.”

(wikipedia)

Fazit: The only part that pissed me off about that movie is that there wasn’t more action. —> Klick + Klick

Autor: Sven

Drag Me To Hell

Abgelegt unter: Dem Sven ihm seine Kritiken, Filme am 24.06.2009 von Sven

drag-me-to-hell

35-spacemonkeys.png

Inhalt: Christine Brown (Alison Lohman) führt ein glückliches Leben mit ihrem Freund Clay Dalton (Justin Long) in Los Angeles.

Als Kreditsachbearbeiterin entscheidet sie über die Kreditwürdigkeit ihrer Kunden und kann vielleicht sogar ihrem hinterlistigen Kollegen eine Beförderung wegschnappen, wenn sie etwas skrupelloser mit Risikokandidaten umgeht. Bei einer geheimnisvollen Zigeunerin, die sie um Hilfe anfleht, bietet sich ihr genau diese Chance – sie hätte ihr ein Darlehen bewilligen können, entschließt sich aber mit schlechtem Gewissen für eine Ablehnung, um Punkte bei ihrem Chef (David Paymer) zu sammeln. Eine Entscheidung, die nicht folgenlos bleibt. Christines Leben wird zur Hölle auf Erden, denn die jetzt obdachlose Zigeunerin belegt sie mit einem mächtigen Fluch.

Beistand und Rat findet sie allein bei dem Seher Jas (Dileep Rao), der ihr einen möglichen, aber schwierigen Weg zeigt, der ewigen Verdammnis zu entgehen. Während die finsteren Mächte immer näher rücken, muss Christine eine weitere Entscheidung treffen: Wie weit wird sie gehen, um sich von dem Fluch wieder zu befreien?

(Pressetext: Universal)

Kritik: Schon bereits in den Opening Bills lässt uns Sam Raimi, durch das Einblenden des damals verwendeten Produktions Logos der Universal Company wissen, dass er nach seinem Ausflug in den Mainstreamsektor mit seiner “Spider-Man”-Triologie und knappe 17 Jahre nach seinem “Army of Darkness”, nun wieder zu seinen eigentlichen Wurzeln, zu seinen Erfolgen in den 80er und frühen 90er Jahren, mit seiner “Evil Dead”-Reihe und dem Kettensägen-schwingenden Bruce Campell in der Rolle des Ash, seinen tiefschwarzhumorigen, das Genre neu definierenden Storys und seinen nur allzu oft aus den typischen Schema herrausfallenden und äußerst skurillen Charakteren, zurückgekehrt ist.

Mit einem Paukenschlag katapultiert man uns dann schließlich auch direkt in den Film hinein und der geneigter Zuschauer wird bereits seine helle Freude schon allein an der Vortitelsequenz gehabt haben: Die Bewegung, das Tempo und die Rasanz in jedem einzelnem Frame deutlich spür- und sichtbar, die überdramatisierten, stark plakativen und stilisierten Perspektiven und Einstellungen sowie jenes von Minute Eins an klar wahrnehmbare “This is going to be one hell of a ride”-Feeling weisen einen in die richtige Richtung und verkünden lautstark: “Raimi ist zurück!”

Dabei war er ja eigentlich auch nie wirklich weg, der Raimi Sam. Doch vermutlich war auch für ihn, der nur knapp 100 Minuten kurze “Drag Me To Hell”, so etwas wie eine kleine Auflockerungsübung, ein kleiner rebellischer Befreiungsakt vom schwer lastenden, da äußerst kostspieligen und deshalb auch ebenso verantwortungsfordenden “Spider-Man”-Franchise. Die Teile II und III gehören mit ihren 200 bzw. 260 Millionen US$ an Budget immernoch zu den Top Ten der teuersten Filme aller Zeiten und der bereits angekündigte vierte, vermutlich dann 2011 in die Kinos kommende Teil der Reihe, wird da vermutlich auch nochmal zu übertrumpfen wissen.

Natürlich hätte aber wohl auch kaum ein anderer Regisseur besser in ein Projekt wie “Spider-Man” gepasst wie Sam Raimi, jener Mann der am Set stets im Anzug erscheint, ganz nach Vorbild von Alfred Hitchcock, bewies dieser doch bereits schon mit “Darkman” im Jahre 1990, dass er ein Händchen für jene, sich nicht allzu ernst nehmende Comicadaptionen besitzt. Doch nach dem etwas lustlos sowie überzeichned wirkenden und schlicht zu mageren dritten Teil und den u.a. darin völlig deplatziert wirkenden Tanzeinlagen von Peter Parker aka Tobey Maguire, musste mal wohl wieder ein etwas kleineres Projekt mit etwas mehr Bewegungsfreiheit für den Ausnahmeregisseur her.

Zusammen mit seinem Bruder und Hauptdrehbuchverantwortlichen Ivan, wühlte Raimi dann schließlich das bereits um 1992, also kurz nach “Army of Darkness” fertiggestellte Drehbuch zu “Drag Me To Hell” hervor und begann mit dem äußerst ungewöhnlichen, aber ebenso glaubhaften und liebevollen Casting.

Alison Lohman, welche wohl vielen Lesern hauptsächlich noch durch Tim Burtons Idee des ultimativen Unschuldsengels bzw. der Rolle der Sandra Templeton Bloom in “Big Fish” ein Begriff sein sollte, verkörpert nämlich so ziemlich das genaue Gegenteil einer tapferen und unerschrockenen Horror- und Splatterfilmamazone, welche grimmig durch Eingeweide, Schlamm und Körpersäfte stapft. Dementsprechend ist auch zunächst ihr Charakter, der der stets moralisch und ethisch integeren, mit sich selbst immer im Reinen befindlichen Bankangestellten Christine angelegt, welche aber im laufe der Handlung eine komplette 180° Kehrtwendung vollzieht und schließlich in einem Überbild, in einer Metathese der Ikonografie der ultimativen Kämpferfrau gipfelt, welches auch den hier zu lesenden Text einleitet.

Selbst beim zweiten mal Anschauen, wird man schlicht von der puren Plakativität der verwendeten Querverweise zum trashigen Horrorfilm der 80er Jahre, aber auch der schlichten Selbstreferenz seitens Raimi, in dieser Szene erschlagen und überwältigt. Einfach grandios unterhaltsam und köstlich amüsant.

Damit dürfte auch für Lohman endlich der Absprung vom braven Mädchen Image ein für allemal geschafft worden sein, hat Sie doch nun auf wirklich erstaunliche Art und Weise unter Beweis gestellt, dass Sie auch ganz anders kann als von ihr erwartet, nach noch solch eher misslungenen Ausbruchsversuchen wie z.B. in “Wahre Lügen” mit Kevin Bacon.

Aber auch Justin Long, welcher bisher eigentlich eher der reinen Komödie zuzuordnen war, sich aber mit dieser Aussrichtung ja auch bei “Drag Me To Hell” und unter Spaßvogel Raimi nicht allzu weit aus dem Fenster lehnt, sowie die für ihr Alter noch erstaunlich fidele Lorna Raver in der Rolle der bösen Zigeunerhexe Mrs. Ganush, bisher überwiegend im Serienbereich zu finden, leisten beide solide und unterhaltsame Arbeit.

Auch wendet sich Raimi, für ihn eher untypisch, einem wesentlich helleren Setting zu, als das dies noch bei seinen bisherigen Filmen der Fall war, wo ja das Bild doch noch überwiegend mit Dunkelheit und Finsternis durchsetzt war, was aber natürlich auch auf das verwendete Figurenkonzept von “Drag Me To Hell” und den dort eher schützenswerteren Charakteren, wie insbesondere eben Christine aber auch ihren Freund Clay zurückzuführen ist.

Das der Film ein wahres “Back to the Roots” seitens Raimi ist kann man ebenfalls an der noch wirklich plüschigen und gedämpften 80er Jahre Atmosphäre bereits zu Anfang des Filmes erkennen, wenn wir z.B. das etwas veraltet wirkenden Mobiliar auf Christines Arbeit begutachten dürfen, die mit den ätzend grauen und hellbraunen Tönen durchtänkten Filzstoffsessel und Schreibtische, oder aber eben auch Christine selbst, in ihren hochverschlossenen grauschwarzen Buissnesskostüm, wie es vornehmlich noch von Sekretärinnen in den Büros der Donald Trumps dieser Zeit getragen wurde.

Doch nicht nur die Austattung, sondern auch der Schnitt und die Kamera reisen zurück in die Zeit der “Reagonomics”, der Glamourisierung und Ideologisierung insbesondere der amerikanischen Finanz- und Börsenmärkte, der Zeit als es noch verdammt hip war, an der Wall Street oder im Bankengeschäft tätig zu sein, aber auch eben jener  Zeit in der der billig heruntergeburbelte Horrortrash einen erneuten Aufschwung durch den mittlerweile boomenden Videomarkt verzeichnen konnte.

Ob nun diese Verkettung des Filmes mit der damals noch so aufstrebenden Weltwirtschaft etwa wirklich eine etwaige Kritik an der derzeitigen Finanzkrise darstellen soll, so wie es einige Filmkritikerkollegen noch hiebei in ihren Artikeln resumierten, dessen bin ich mir selber doch noch eher unsicher, denn zwar ist der Ansatz hierzu klar vorhanden, der Stoff reicht aber nicht wirklich hierfür aus.

So ist aber “Drag Me To Hell” nicht nur in der reinen Optik, zumindest noch ganz zu Anfang des Filmes noch ein kleiner Querverweis auf die damlige Wunschvorstellung einer stetig wachsenden Wirtschaft, sondern auch insbesondere in seiner Erzählweise, eine deftige Hommage und stellenweise auch Persiflage, an die damalige Horror-, Gore- und Splatterkultur, in welcher ja schließlich auch Raimi selbst seine allerersten Erfolge verbuchen konnte.

Ohne Scham wird auch erneut die Grenze zur Selbstreferenz immer weiter und tiefer angerissen. So verbaute Raimi erneut, standardmäßig sein rostgelbes 1973er Oldsmobile, welches neben der Flasche “Maker’s Mark Whiskey” in bisher wirklich fast allen seinen Filmen auftaucht, sogar im Western “Schneller als der Tod” wo es allerdings als Planwagen getarnt war.

Neben diesen Gadgets alá “Big Kahuna Burger”, Trunkshots oder auch “Red Apple Cigarettes”, startet Raimi aber nochmal so richtig durch gen Ende des Filmes, wenn es dann wirklich an das “Eingemachte”, im warsten Sinne des Wortes geht. Wer sich in den letzten 15 Minuten von “Drag Me To Hell” nicht zwangsläufig auch nur ansatzweise an “Tanz der Teufel II” erinnert fühlt, demjenigen kann dann wirklich nicht mehr geholfen werden.

Dabei beschreitet Raimi diesmal allerdings auch wesentlich blutarmere Wege, als z.B. noch in “Tanz der Teufel” oder “Tanz der Teufel II”. Der Hauptschwerpunkt liegt diesmal doch wesentlich stärker als noch sonst, auf überzogenen und vollkommen plakativ abstrusen Ekelhorror: Der Eiter spritzt und die Galle fließt in Strömen. Dieses doch sehr amüsant vermittelte Bild wird dann noch zusätzlich durch die wirklich packenden und gerade auch durch ihre Einfachheit so bestechenden Schockeffekte abgerundet und komplementiert.

Ich hätte es mir zumindest nicht mehr vorstellen können, auch nur noch ein eiziges Mal in meinem Leben von ein paar simple knarrenden Holzböden, quitschenden Eisentoren und “Buh”-Flasheffekten so gut unterhalten werden zu können, wie eben in “Drag Me To Hell”.

Und auch wenn vieles, vermutlich aufgrund des eng gesteckten Zeitrahmens und eines wahrscheinlich eher niedrig angesetzten Budgets, dann doch per Griff in die Zauberkiste Computer realisert wurde, halten sich sogar die VFX und SFX die Waage und bilden ein kaum zu bemängelndes, rund laufendes und äußerst unterhaltsames Gesamtkonstrukt. Danke Sam!

Fazit: “Raimi Is Back” und zwar in voller Stärke und Vitalität. Der Regisseur der “Evil Dead”-Serie, welche übrigens 2010 von ihm selbst neu aufgelegt werden soll, hat sich vermutlich im strikt kontrollierten “Spider-Man”-Franchise ein wenig unterfordert gefühlt und beschreitet mit “Drag Me To Hell” wieder etwas ältere Pfade, welche allerdings äußerst erfrischend auf das aktuelle bzw. heutige Image des Horrorfilmes wirken, denn sein neuestes Werk ist ganz so, wie seine vorangegangen Horrorklassiker: Pures Genre, aber größtenteils auf den Kopf gestellt und persifliert.

In Anbetracht des derzeitig stark grassierenden “neuen Realismus” im Hollywoodaction- und auch Horrorkino, als direkte Antwort der Traumfabrik auf die Ereignisse von 9/11, sowie solch sich oftmals viel zu ernst nehmenden Tortureporn’s alá “SAW” und “Hostel”, als direkte Antwort auf Guantanamo, und natürlich und selbstredend der endlos langen Kette billiger und lieblos heruntergekurbelter Asia-Horror-Plagiate, wirkt Raimis neuestes Werk erfrischend leicht und köstlich unterhaltsam.

Viele seiner alten Fans dürften mit diesem durch und durch runden Gesamtpaket erstmal wieder zufriedengestellt sein und sich nun auch wieder gegenseitig darin versichern können, dass Rami immer noch seine eigentlichen Wurzeln zu erkennen vermag und diesen auch treu geblieben ist.

Denn “Drag Me To Hell” besticht durch alles was einen guten alten Raimihorror nunmal so ausmacht: Ekelsplatter at it best, rabenschwarzer Humor sowie skurril außergewöhnliche Kameraarbeit, Schnitttechnik und natürlich eben jene bunten und schrägen Charaktere. Ein Kinobesuch lohnt sich definitiv, für den bisher innovativsten Horrorfilm seit “Der Nebel“.

Autor: Sven

The Limits of Control

Abgelegt unter: Dem Sven ihm seine Kritiken, Filme am 02.06.2009 von Sven

the-limits-of-control

40-spacemonkeys.png

Inhalt: “The Limits of Control” erzählt in betörend schönen, fast magischen Bildern die Geschichte eines geheimnisvollen Fremden (Isaach De Bankolé), der nach Spanien reist, um dort einen Auftrag zu erledigen. Welchen Charakter dieser Auftrag hat, bleibt zunächst im Dunkeln. Das Vorhaben des ebenso entschlossenen wie schweigsamen Mannes scheint sich allerdings nicht in legalen Bahnen zu bewegen.

Manchmal hat es zudem den Anschein, als ob er selbst nicht genau wüsste, was er in dem fremden Land zu tun hat. Auf den verschiedenen Stationen seiner Reise durch Spanien trifft er auf einige mysteriöse Gestalten, die rätselhafte Botschaften für ihn bereithalten. Ist ihnen zu trauen? Während die Geschehnisse sich immer weiter verwirren und die Zusammenhänge immer unklarer werden, wächst auch das unheimliche Gefühl der Bedrohung mehr und mehr an. Wer oder was steckt hinter dem ganzen? Eine große internationale Verschwörung? (Pressetext: Tobis)

Kritik:  “Hinab glitt ich die Flüsse, von träger Flut getragen / da fühlte ich: es zogen die Treidler mich nicht mehr.” So lautet jenes Zitat aus Arthur Rimbauds erstmals 1871 veröffentlichtem “Le Bateau ivre”, oder zu deutsch “Das trunkene Schiff”, welches uns Jim Jarmusch nun ganz zu Anfang, zur allgemeinen Einstimmung auf seinen mitllerweile zehnten Film, auf der eingeblendeten Texttafel präsentiert.

Es empfiehlt sich vielleicht, sich doch zumindest ein wenig, mit jenem 100 Zeiligem Werk des französischen Symbolisten und Wegbereiter der Surrealisten, welcher später einmal unter anderem Künstler wie Bob Dylan, Jim Morrison oder Klaus Mann beeinflussen sollte, in so fern zu beschäftigen, als dass sich doch bisweilen, etliche Parallelen zwischen Rimbauds “Le Bateau ivre” und Jarmuschs knapp 140 Jahre später erschienem “The Limits of Control” finden lassen.

So handeln beide Werke in ihren Grundelementen vom dem “sich treiben lassen”, vom vollständigen Kontrollverlust (The Limist of Control/Die Grenzen der Kontrolle) sowie dem trunkenen und diffusen, ja einfach surrealen Zustand des Träumens. Sogar die verwendete Farbsymbolik, lässt sich stellenweise nahezu 1:1 von dem einem Medium in das andere übertragen, ohne dadurch aber wirklich an Zugkraft zu verlieren.

Auch greift Autorenfilmer Jarmusch bei seinem “The Limits of Control” erneut, wie schon 10 Jahre zuvor bei “Ghost Dog – Der Weg des Samurai”, die Thematik des einsam umherziehenden Wolfes, des “Lone Man” auf, welcher sich selbst nur ein paar wenige, dafür aber unerschütterliche und grundlegende Regeln auferlegt hat: “Keine Mobiltelefone, kein Sex, keine Schußwaffen.”

Bis auf eben jene Punkte, und vielleicht noch der Tatsache dass in beiden Filmen die Protagonisten schwarz sind, gerne hin und wieder meditieren und sich durch ähnliche berufliche Tätigkeiten kleiden, haben aber beide Werke, kaum mehr etwas miteinander gemein und beschreiten fast gänzlich unterschiedliche Wege, was sowohl den Erzähltempus und Rhytmus ihrer Geschichten, als aber auch die jeweiligen Kernaussagen betrifft.

Handelte “Ghost Dog” noch von Kommunikation und Informationsaustausch, so widmet sich “The Limits of Control” der Imagination sowie der Realität im Kontrast hierzu, bzw. wie eben jene sich auch durch den jeweiligen Standpunkt, also die Wahnehmung des einzelnen Betrachters, beeinflussen und verzerren lässt. Auch, oder vielleicht sogar erst gerade deswegen, obwohl Sie beide, von ein und demselben Regisseur stammen.

So dürfen wir nun diesmal, anstelle von Forrest Whitaker, eben Isaach De Bankolé, welcher noch vielen Zuschauern als Raymond, der stets gut gelaunte, französische Eisverkäufer und “beste Freund” des Ghost Dog aus bereits oben gennanten Film bekannt sein dürfte, nun selbst in der Rolle des namenlosen Auftragkillers, für knappe 120 Minuten dabei zuschauen, wie er durch mehrere spanische Ortschaften, von Madrid bis Sevilla reist, verschiedene mysteriöse Botschaften von noch mysteriösereren Charakteren via Streichholzschachtelpost empfängt und dazu gerne Espresso trinkt, sich mit seinen Gesprächspartnern über monekulare Grundstrukturen und die Filme Hitchcocks “unterhält”, und anschließend gerne das örtliche Museum aufsucht, um sich dort angekommen, immer ganz genau nur einem einzelnen Werk zu widmen (“El Violín” von Juan Gris, “Desnudo” von Roberto Fernandez Balbuena, “Madrid desde Capitán Haya” von Antonio López Garcia sowie Antoni Tàpies “Gran Sábana”), die Hallen der Kunst dann wieder zu verlassen, und sich schließlich auf die, meistens per Zugfahrt durchgeführte Reise zur nächsten Ortschaft zu begeben, wo das gleiche Spiel, nur im anderen Anzug, wieder von vorne beginnt.

Anbei währen hierzu noch natürlich die äußerst skurrilen, teilweise recht schrägen Figuren zu nennen, welche unserem “Lone Man” auf seinem Weg, in der folgenden Chronologie begegnen: Die Kreole (Alex Descas), Der Franzose (Jean-François Stévenin), Die Violine (Luis Tosar), Die Nackte (Paz de la Huerta), die Blonde (Tilda Swinton), das Molekül (Youki Kudoh), die Gitarre (John Hurt), der Mexikaner (Gael García) und zu guter Letzt, der Amerikaner (Bill Murray).

Allesamt sind diese nämlich, die eigentlichen und wahren Hauptdarsteller des Filmes. Während der fremde, schwarze Auftragskiller durch überwiegendes Schweigen brilliert, denn keiner isst bitteschön so cool kleine Papierstückchen wie De Bankolé, so sind es aber nunmal eben genau jene surrealen Nebenfiguren, wie das Molekül oder auch die Blonde, die dank ihrer Gesprächigkeit über Musik und Wissenschaft, die Boheme und Sex sowie Filme und Kunst das allgemeine Szenario immer mal wieder, wenn auch nur kurzzeitig, durchbrechen und mit Leben auffüllen.

Dementsprechend ist der “Lone Man” eben auch nur das “trunkene Schiff”, welches sich, benommen vom vielen Wasser und ohne Führungskraft am Steuer dahertreibend, durch das allzu berauschende und surreale sowie tiefblaue Meer aus “Le Bateau ivre” bewegt, und uns dabei aus der Ich-Perspektive von seinen Abenteuern zwischen dem “Rostrot der Liebe” von den “Rhythmen und Delirien”, sowie dem nächtigen “Fieberhimmel” über ihm zu berichten weiß. Dabei bieten etliche Stellen in Jarmuschs Film einen hierzu passenden Vergleich an, wie z.B. alleine schon die Farbsymbolik der stetig den Besitzer wechselnden Zündholzschächtelchen.

Allerdings ist “The Limits of Control” ein warer Makrokosmus solcher Querverweise in die Rrichtung der Moderne des ausgehenden 19ten bzw. beginnenden 20ten Jahrhundert. So zitiert Jarmusch schon allein im Titel, William S. Burroughs gleichnamiges Essay über Kontrolle und Manipulation der Massen. Dies spiegelt sich dann in der bewussten Irreführung des Publikums wieder, welches zu Anfang noch vergebens versucht, die jeweiligen Indizien und Codes der im Grunde ja sehr simplen Hitmanstory zu entschlüsseln, später aber resignierend festellen muss dass es Jarmusch dabei aber gar nicht auf den eigentlichen Plot anlegte, sondern auf das ganze Drumherum und Dazwischen, das lediglich Ausschmückende und Verzierende. “Diamonds are a girl’s best friend”, zitiert der dolmetschende Franzose hierzu, bereits am Anfang des Filmes.

Auch die ausgeübte Sprachkritik aus Burroughs Werk, fand Eingang in Jarmuschs Film, denn sein “Lone Man” scheint Sprachen zu verstehen, die er allerdings vorgibt gar nicht zu beherrschen. Immer wieder wird er hierzu gefragt “Sie sprechen kein Spanisch, oder?” Sprache ist in “The Limits of Control” schließlich genauso arbiträr und willkürlich, wie die Realität in der Sie gesprochen wird.

Abstraktion und Unwirklichkeit, sowie Erzählstruktur und narratives Element werden zusätzlich noch durch die Arbeit des Kameramannes Christopher Doyle unterstrichen, welcher sich schon u.a. für die Mitarbeit an Wong-Kar Wais “In the Mood for Love” und dessen Nachfolger “2046″, sowie etwas massentauglicherer, cinematographisch aber dennoch hervorstechender Ware alá Yimou Zhangs “Hero” auszeichnete.

Doyle pointiert, akzentuiert und interpretiert auf zweiter Ebene, hebt die Geschichte somit auf ein nächsthöheres Level an, welches es tatsächlich schafft, einen Teller voller Birnen, wie ein impressionistisches Stilleben von Monet oder Van Gogh aussehen zu lassen. Kein Wunder also, das Jarmusch ihm ungewöhnlich viel Freiraum und Mitbestimmungsrecht am Set zugewiesen hat.

Die Querverweise zwischen im Film präsentierter und photographierter Kunst, und den jeweiligen farblichen und architektonischen Gegebenheiten der wechselnden Locations, werden nochmals gesondert hervorgehoben und betont. Ebenso wie die liebevoll durchdachten Kamerafahrten durch die jeweiligen Unterkünfte des “Lone Man”, welche ebenfalls erneut die Thematiken und Stilrichtungen der einzelnen, im Film gezeigten Kunstwerke aufgreifen, und dabei neu zu interpretieren versuchen. So finden sich sowohl kubistische, neu-realistische als aber auch expressionistische Züge in den einzelnen Bauten und Wohnungen wieder, in denen sich unser Auftragskiller des Nächtens dann seine Mütze voll Schlaf genehmigt.

Doyle hält eher auf Distanz, bietet also nur selten CloseUp’s oder gar Detailaufnahmen, betont durch die vielen Halbnahen und Totalen aber gleichzeitig nochmals die lediglich subjektive Wahrnehmung der Realität, in dem wir schließlich den “Lone Man” irgendwann nicht mehr als wirkliche, eigenständige Figur realisieren, sondern vielmehr als leeres Gefäß, als strudelndes Objekt im Wind der Ereignisse. Manchmal verschwindet er sogar so vollends, dass wir die Geschehnisse gar aus seiner Ich-Perspektive wahrzunehmen scheinen, die Mauer zwischen Protagonist und Publikum also niergerissen scheint.

Auch die Locations werden von Minute zu Minute einsamer, weiter und surrealer. Befinden wir uns ganz zu Anfang noch, gerne in mit Menschen gefüllten Altstädten, mit Cafés, öffentlichen Plätzen und besetzten Sitzbänken, so wandern wir gegen Ende des Films nur noch durch staubige und leblos wirkende Wüsten, in welchen wir keinerlei Bezug mehr, zur eventuellen Realität zu finden vermögen.

Man munkelt, die Musik von “Boris” und “Sunn O)))”, würde all das ebenfalls noch zusätzlich enorm unterstreichen, leider ist mir aber beim erstmaligen Sehen, aufgrund der gewaltigen Bilderflut, nicht in den Sinn gekommen auch noch auf den Score zu achten.

Fazit: Jim Jarmusch bestreitet nach “Broken Flowers” nunmehr wieder ganz eindeutig, weniger massentaugliche Wege im Arthousesektor. Seine enddlosen symbolischen Spielereien, Metaphern und Zitate zur modernen Kunst und Populärkultur, mögen manch einen Zuschauer wohl ziemlich überfahren und vor lauter aufgeladener Schwere schlicht im Kinosessel erdrücken.

Auch die Tatsache das “The Limits of Control” somit eindeutig mehr Konzept und Konstrukt als eine wirkliche Story aufzuweisen vermag, mag hierbei auf vielen Gesichtern zunächst wohl eher für Verwunderung und Verwirrung sorgen, als für wirkliche Begeisterung. Jarmusch ist also zu seinen Wurzeln zurückgekehrt, zu Zeiten wie in “Dead Man” oder “Down by Law”, was aber gleichzeitig heißt, das er auch wieder in eine Nische zurückgefallen ist, aus die er sich mit “Broken Flowers” bereits herausgekämpft hatte.

Es wird wohl zunächst einmal ein Rätsel bleiben, warum er diesen Schritt nun letztendlich eben so getätigt hat, doch Fakt ist: Wem Jarmuschs frühere Werke gefallen haben, den wird “The Limits of Control” schlicht vom Hocker hauen.

Es ist kein Film für jedermann, kein Film den man sich gleich zweimal hinter einander ansehen kann und wirklich durchgängig ganz und gar visuell und dialogtechnisch schwere Kost.Doch wer sich auf die ruhige Erzählweise, die symbolisch aufgeladenen Bilder und Konversationen einlässt, der wird für seinen Eintritt definitiv entlohnt.

Autor: Sven

Star Trek XI

Abgelegt unter: Dem André ihm seine Kritiken, Filme am 14.05.2009 von André

startrekxi„Der Weltraum, unendliche Weiten…“ niemals konnte mich dieser CatchFrase so begeistern, wie die Ereignisse „…In einer Galaxie, weit weit entfernt.“ Ich meine: Stell dir vor, du bist um die zehn Jahre alt und da im Fernsehen stehen eine Handvoll Kerle, mit engen Uniformen, in einer billigen Pappkulisse, die die Brücke eines Raumschiffs darstellen soll, und diskutieren über Energieverteilung, Warp-Antriebe und Logik. Und auf einem anderen Sender, steht ein junger Kerl und schwingt ein Laserschwert, während ein anderer Kerl, und sein zotteliger Freund, mit Blastern auf anonyme Soldaten, in weißer Plastikrüstung, bolzen… make your choice.

Trotzdem ist mir STAR TREK natürlich ein Begriff, immerhin hab ich alle Filme gesehen und in jede TV-Serie hineingezappt. Ich kann auch den Kult unzähliger Trekkies und Nerds nachvollziehen, die über Jahrzehnte mit Sternenflottenuniformen und Vulkanieröhrchen zu den Fanconventions rennen, um dort ihrer Religion zu frönen und auch als NICHT-Fan, war ich zuletzt doch sehr gespannt, was Produzent und Regisseur J.J. Abrams nach der legendär, trashigen Sci/Fi Serie der 60er, vier Spin Off Serien und insgesamt zehn Kinofilmen, noch aus dem TREK Universum raus kitzeln möchte, nachdem zuletzt die Next Generation Crew mit dem mittelprächtigen „STAR TREK: NEMESIS“ ihren Abschied von der Kinoleinwand feierte.

Die wichtigste Frage hierbei lautet: Kann man ein ganzes Universum, mit einer, über Jahrzehnte, liebgewonnenen und etablierten Enterprise Crew, in frischem modernen Look und völlig neuer, junger Besetzung, nochmal neustarten??? Kurze Antwort: Ja, man kann. Man sollte nicht, dass möchte ich an dieser Stelle nochmal betonen. Man sollte einen Meister Yoda nicht digital animieren und ihn, wie einen Laubfrosch, durch die Gegend hüpfen lassen. Man sollte Indiana Jones niemals mit Aliens in Verbindung bringen sowie heiraten lassen und seinen Sohn mit Shia LaBeouf besetzten. Und man sollte eine Terminator Reihe nicht ohne Arnie ins Kino bringen… Aber all dies ist (und wird) geschehen, also warum soll man nicht legendäre Sci/Fi-Helden wie James T. Kirk und Mr. Spock mit milchgesichtigen TV-Darstellern besetzen, zumindest im neuen „STAR TREK XI“ funktioniert dies, überraschend gut.

Überhaupt muss man sagen, niemals zuvor hat mich ein STAR TREK Film derartig gut unterhalten. J.J. Abrams (übrigens kein Trekkie) befördert ein ganzes Universum, mit viel Spaß und ordentlich KAWUMM! ins nächste Jahrtausend. Ein neuer glamouröser Look, junge, unverbrauchte Darsteller, schicke Effekte, viel Ironie, viel Humor und alles schön laut. Abrams hat im TREK Universum ordentlich entrümpelt, die Brücke der Enterprise auf Hochglanz poliert, viel Action hinzugefügt und den Nerd-Faktor auf ein erträgliches Level gefahren. Kurz: STAR TREK ist frisch, modern und sexy. Restauriert und aufpoliert, um die nächste Generation Trekkies und eine breite Masse Kinopublikum für sich zu begeistern.

Am überraschendsten ist hierbei die neue Besetzung, von der ich dachte, sie käme am schlechtesten weg, aber Kirk, Spock, Pille, Uhura, Scotty und der Rest sind auf den Punkt getroffen und repräsentieren all das, wofür sie schon soviele Jahre, von den Fans, verehrt werden. Auch die Ausstattung ist sehr passable; modernes Design, schicke und laute Effekte, abwechslungsreiche Action, breit gestreut und gut platziert. Viele kleine Highlights, kein großer Knall, die größte Schwäche des Films; seine Dramaturgie. Kurzweilige Spannungsbögen und flache Charakterentwicklungen, lassen den Film inhaltlich nie über Serienniveau hinaus wachsen, hinzu kommt, dass die Handlung ein Desaster ist. Durchgeknallte Romulaner, Schwarze Löcher und Zeitreisen bieten reichlich Angriffsfläche für massive Plot Holes und Logikfehler. So clever wie der Film sein möchte, sogar eine Erklärung für Änderungen und Neuanfang im TREK Universum liefert, ist er nicht, doch das schmälert den positiven Gesamteindruck nur gering, steht hier doch in erster Linie nur die gelungene Präsentation der neuen (alten) Crew nebst ordentlich Unterhaltung auf dem Programm.

Zu diesem Zweck setzt Abrams neben lauter Action und den üblichen bombastischen Effekten auch auf viel Humor und Ironie. So werden des Öfteren die charmant, berüchtigten Charaktereigenschaften der Crew auf die Schüppe genommen: Kirk baggert was das Zeug hält, Pille reißt einen OneLiner nach den anderen, Sulu vermasselt seinen ersten Warpsprung, Chekov bekommt Probleme mit der Spracherkennung der Enterprise und Uhura zieht sich bis auf die Unterwäsche aus. Neben gelungenen Parodien und Zitaten, versteckt sich auch hin und wieder ein wenig dümmlicher Klamauk, das unterhält den Kleingeist und die Fans können kurz mal wegschauen, hätte doch viel schlimmer kommen können, siehe „STAR WARS EPISODE I: DIE DUNKLE BEDROHUNG“.

Doch, doch, Abrams macht vieles richtig und schickt die neue (alte) Crew, welche sich im Verlauf des Films, sucht und findet, samt Enterprise und viel Tam Tam zu neuen Abenteuern. Das Ganze fühlt sich zwar nicht besser an als ein enorm dick produzierter Pilotfilm, macht aber doppelt soviel Spaß und präsentiert sich ganz ungezwungen als schicker Unterhaltungsbomber im Kinosommer.

Autor: André

X-Men Origins: Wolverine

Abgelegt unter: Dem André ihm seine Kritiken, Filme am 07.05.2009 von André

x-men_wolverineKein vierter X-MEN Film, sondern der Start einer neuen Spin Off Reihe. X-MEN ORIGINS soll über die Herkunft und Werdegänge der bekannten Supermutanten aufklären, den Anfang macht X-MEN Badass: WOLVERINE.

Es macht durchaus Sinn, sich bei so vielen Charakteren des X-MEN Universums, einmal von der Hauptsaga loszureißen und den Fokus auf einzelne, liebgewonnene Figuren zu konzentrieren. Wolverine war ohnehin, auf Grund seiner Beliebtheit beim Publikum, des Öfteren bereits im Zentrum der vorangegangenen X-MEN Filme. Nachdem Regisseur Bryan Singer diese, nach der gelungenen Fortsetzung „X2“, verlies, konnte der dritte Teil „X-MEN: THE LAST STAND“ schon deutlich weniger begeistern und so war es nur konsequent, die eigentliche Haupthandlung ruhen zu lassen und sich stattdessen einem neuen Thema zu widmen.

Und anfänglich kann „X-MEN ORIGINS: WOLVERINE“ auch durch rasantes Tempo und ungezwungenes Entertainment überzeugen. Auffällig ist, dass sich dieser Film einer deutlich härteren, maskulinen Sprache bedient und noch actionlastiger daherkommt als sein Vorgänger. Dafür fehlt es diesem Testosteronbolzen aber ordentlich an Substanz, was eigentlich nur so negativ auffällt, weil die übrigen X-MEN Filme so viel Wert auf Charakterentwicklung, Motivation und nachvollziehbare Handlung legten. „WOLVERINE“ verzichtet nahezu komplett auf diese Eigenschaften und erreicht darum nie eine höhere Qualität, als ein gewöhnlicher Actionkracher, die besonders in den 80ern so populär waren.

Für das X-MEN Universum ist dies aber keine Bereicherung, im Gegenteil. „WOLVERINE“ bedient längst abgewetzte Actionklischees und pseudo Melodram, welches auch noch langweilig und vorhersehbar inszeniert ist. Außer dem Hauptdarsteller, gibt es keine Konstante im Film; die übrigen Mutanten sind zu Gimiks verkommen, seelenlose Abziehbildchen die immer dann auftauchen, wenn sie grade für eine Actionszene benötigt werden und anschließend wieder in der Versenkung verschwinden. Die Motivation mit der sich Wolverine durch den Film prügelt, wirkt altbacken und aufgesetzt; neben dem Verlust seiner Liebsten und der Flucht vor dem ewigen Töten, wurde ein geradezu biblischer Bruderkonflikt addiert, der dann aber nicht mal wie Erwarten zum großen Finale lädt, sondern sich in selbigem völlig verliert. Große Schlüsselszenen wie die Verwandlung von Wolverine, werden viel zu schnell und spannungslos abgehandelt, die Dramaturgie des Films wirkt im Gegensatz zu seiner harten Gewaltdarstellung, völlig inkonsequent und weis nicht mal ansatzweise zu fesseln. Das größte Problem hierbei ist wohl, dass man weis was kommt; Wolverine wird für das Waffenprojekt des diabolischen General Striker missbraucht, wird diesen aber erst in „X2“ zur Rechenschaft ziehen, Er verliert sein Gedächtnis, Sein Bruder Sabertooth verschwindet, Die von Striker gefangen gehaltenen Mutanten werden befreit… Nichts geschieht unvorhergesehen.

Umso wichtiger also, dass Fundament der Charaktere, aber dies schien den Machern bereits ausreichend in den vergangenen Filmen beleuchtet zu sein, so bleibt „X-MEN ORIGINS: WOLVERINE“ eine vorhersehbare Actionparade ohne Überraschungen und selbst auf diesem Gebiet setzt der Streifen keine neuen Maßstäbe. Die Qualität der Action bewegt sich irgendwo im Mittelmaß und schafft es nie, die bombastischen Effekte von „X2“ und „X-MEN: THE LAST STAND“ zu toppen. Erstaunlich auch, wie die Qualität im Film selbst auf und abnimmt; so wirken Szenen, wie die Motoradverfolgungsjagt stimmiger und aufwändiger inszeniert, als das enttäuschende Finale.

Zum Schluss noch ein paar Anmerkungen:

1. „Der Auftritt von Gambit ist ja wohl ein Witz, da warten Fans bereits seit „X2“ auf einen der beliebtesten X-MEN Charaktere überhaupt und dann bekommt dieser gefühlte 5.Sek. Screentime in einem bedeutungslosen Spin Off, selten wurde eine Figur so verschenkt.“

2. „Ich will nie wieder Patrick Steward, mit digital auf jung getrimmten Gesicht, sehen. Das sah im dritten X-MEN Film schon scheiße aus und daran hat sich auch nichts geändert.“

3. „Keine verharmlosende Gewaltdarstellungen. Wo ist das Blut? Wolverine meuchelt, schlitzt und enthauptet, aber seine Klingen bleiben unbesudelt. Lächerlich.“

4. „Innere Logikfehler noch und nöcher. Auch bei einer Comicverfilmung, sollte man auf ein geschlossen, funktionales und in sich glaubwürdiges Universum achten.

Der einzige Grund, warum „X-MEN ORIGINS: WOLVERINE“ trotz alledem Spaß machen könnte, ist Hugh Jackman. Er beweist, dass er einen actionbetonten Film auch im Alleingang tragen kann. Jackman ist rau, frech, ironisch, charismatisch und top trainiert, er hat alles, was ein guter Actionheld braucht und für seine herzensrolle Wolverine gibt er, auch in diesem, nicht süchtig machenden X-MEN Ableger, einfach alles was er geben kann.

Autor: André

Rundumschlag der Kurzreviews

Abgelegt unter: Dem André ihm seine Kritiken, Filme am 23.04.2009 von André

Vorbei die Osterferien, es wird Zeit wieder zu arbeiten und bevor ich mich dem Blockbuster-Kino-Sommer unterwerfe und mir Highlights wie: „WOLVERINE“, „ILLUMINATI“, „STAR TREK“, TERMINATOR 4“, „TRANSFORMERS 2“ und natürlich „HARRY POTTER“ gebe… wollte ich nochmal kurz was zu den März/April Filmen loswerden:

gran-torino„GRAN TORINO“

…Hat für mich als Drama überhaupt nicht funktioniert. Die Charaktere kamen aus der Schublade, die Dramaturgie wirkte aufgesetzt und die Story vom grantigen Grandpa, der durch die vorwitzige Jugend wieder zu lieben lernt, ist auch nicht wirklich neu…ABER. Volle Punktzahl für Clint Eastwood und seine humorig, ironische und kompromisslose Performance, die mich oft herzhaft, böse schmunzeln ließ und über weite Strecken größere Mängel des Films vergessen machte.

GRAN TORINO ist ein kleines, mittelprächtiges Drama, wird aber nie langweilig und unterhält ungemein gut, da der Film nicht die bierernste Schiene fährt und sich des Öfteren durch humorige Einwürfe und viel Selbstironie aufzulockern weis.

slumdog-millionaire„SLUMDOG MILLIONÄR“

…Hätte mir garantiert viel besser gefallen, wenn der Film nicht durch diverse Auszeichnungen und 8 Oscarprämierungen so vorgehypt worden wäre. SLUMDOG MILLIONÄR ist ein modernes Märchen mit stark exotischem Touch… mir gefiel die moderne ungezwungene Inszenierung und dass sich der Film, trotz knallbunter Farben, vielen Bollywoodeinflüssen und kitschiger Lovestory, nicht zu schade war auch ein paar verstörende Bilder, von menschenunwürdigen Lebensverhältnissen, der größtenteils armen indischen Bevölkerung zu zeigen. Dadurch ergab sich ein hoch interessanter Kontrast, den die durchgestylten und verblümten Bollywoodopern immer zu verschleiern gedenken.

Mit Sicherheit nicht die ganzen Lorbeeren wert, die er eingeheimst hat, aber SLUMDOG MILLIONÄR weis durch seine exotischen Schauplätze, unverbrauchte Darsteller, moderne Inszenierung und einen erstklassigen Soundtrack durchaus zu überzeugen sowie ein schlüssiges Gesamtkonzept auf die Leinwand zu bannen.

john-rabe„JOHN RABE“

…Ein integerer Mann, der sich, in Zeiten von Faschismus und Kriegsgewitter, seine Menschlichkeit bewahrte und Verantwortung für über 200.000 chinesische Flüchtlinge übernahm. Die Geschichte von John Rabe ist größtenteils völlig unbekannt, dabei waren seine Taten mindestens genau so groß und selbstlos, wie die von Oskar Schindler.

Regieneuling Florian Gallenberger gibt Rabe nun die Lobby, die er verdient und widmet ihm den längst überfälligen Kinofilm, nach dessen originalen Tagebüchern. Dabei herausgekommen ist ein bewegendes, schockierendes und persönliches Drama, dass natürlich nicht an Spielbergs Meisterwerk heranreicht, den Menschen, John Rabe, aber mit Ulrich Tukur in der Hauptrolle sehr lebendig und eindringlich portraitiert und dessen Mut zur Menschlichkeit, gebührend feiert… JOHN RABE, ein wichtiger und sehenswerter Film.

rachels-hochzeit„RACHELS HOCHZEIT“

…Nein, nein, keine Frühjahrskomödie, kein Feel-Good-Movie. RACHELS HOCHZEIT ist ein durchgeknalltes Familienportrait mit tief tragischem Fundament und multikulturellen Einwürfen, damit es nicht zu langweilig wird. Erzählt wird das titelgebende Ereignis, zudem sich ein Haufen skurriler Charaktere in Familie Buchmans traumhaft, ländlichem Anwesen einfinden. Mit dabei auch Rachels rebellische Schwester Kym, die es ausgezeichnet versteht, die fröhliche Stimmung, der ausgelassenen multi-kulti Hochzeitgesellschaft, zu sprengen und alte Familienwunden wieder aufplatzen zu lassen.

RACHELS HOCHZEIT ist ein zuweilen bissiges und abgedrehtes Familiendrama, ganz unkonventionell und beinahe improvisatorisch im Dokustyle erzählt… die wacklige Kamera und teils quälend, lange, banale Szenen erzeugen den Effekt, man sei selbst Gast dieser unkonventionellen Hochzeitsgesellschaft. Obwohl die Konflikte einfach und konstruiert wirken und viele Charaktere, zu unterhaltungszwecken, offenkundig überzogen agieren, stellte sich bei mir das Gefühl ein, ich sei selbst Teil dieser, streckenweise bizarren, Veranstaltung. Die Darsteller, samt Starbesetzung Anne Hathaway, wirken überzeugend, die Inszenierung ungewohnt und Highlight ist das, gegen den Strich aller Konvention erdachte Hochzeitsevent… eine interessante und merkwürdige Mischung.

Autor: André

Die Filmkritiken von M bis Z

Abgelegt unter: Allgemein am 19.04.2009 von Sven

M

Marie Antoinette (André)
Max Payne (André)
Miami Vice (André) (Sven)
Milk (André)
Mr. Brooks (André)

N

Naked Weapon (Sven)
Next (André)
No Country for Old Men (André)
Norbit (André)

O

Ocean`s 13 (André)

P

Pan’s Labyrinth (André)
Pathfinder (André)
Paris Je T’aime (André)
Persepolis (Sven)

Q

R

Ratatouille
(André)
Rocky Balboa (André)

S

SAW III (André)
SAW IV (André)
Sex And The City – Der Film (André)
Sherlock Holmes (André)
Shrek der Dritte (André)
Sieben Leben (André)
Silent Hill (Sven)
So ist Paris (Sven)
Speed Racer (Sven)
Spiderman III (André)
Sieben (André)
Spiel mir das Lied vom Tod (André)
Star Wars: The Clone Wars (André)
Stirb Langsam 4.o (André) (Sven)
Superman Returns (André) (Sven)
Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (Sven) (André)

T

The Book of Eli (André)
The Dark Knight (André)
The Fast And The Furious: Tokyo Drift (André)
The Good German (André)
The Happening (André)
The Hills Have Eyes (André) (Sven)
The International (André)
The Limits of Control (Sven)
The Number 23 (André)
The Spirit (André)
The Wrestler (André)
The Weather Man (André)
There will be Blood (Sven)
Things we Lost in the Fire (André)
Tödliche Entscheidung (André)
Transformers (André)
Transformers – Revenge of the Fallen (André)
Trennung mit Hindernissen (Sven)
Troja DC (André)
True Lies – Wahre Lügen (André)
Twilight (André)

U

Up In The Air (André)

W

W A L LE (André)
Waltz With Bashir (André)
Wanted (André)
Watchmen (André)
Willkommen bei den Sch’tis (André)
Wolfman (André)

X

Y

Z

Zeiten des Aufruhrs (André)
Zimmer 1408 (André)

»Die Filmkritiken von A bis L

Nochmal zum “Vorleser”

Abgelegt unter: Dem André ihm seine Kritiken, Filme am 27.03.2009 von André

Tja, wie es das Schicksal wollte, fand ich mich doch kürzlich tatsächlich erneut im Kino wieder um mir, trotz ungeliebten ersten Eindrucks, zum zweiten Mal den “Vorleser” anzusehen.

Auch nach wiederholter Sichtung hat mir der Film nicht wirklich besser gefallen. Der mittlere Part, indem die intime, leise Stimmung des ersten Drittels, krude durch die ganze Holocaust-Theatralik verwurstet wird, zerschmetterte erneut bei mir jegliches Interesse am weiteren Verlauf der Geschichte, folglich konnte auch die letzte Episode, von Hannas Gefangenschaft und Michaels seelischem Zerfall, keine Punkte mehr bei mir sammeln, im Gegenteil. Das letzte Drittel empfand ich als viel zu langatmig und tragisch aufgesetzt, einzige Ausnahme bildet die Passage, in der Michael Hanna die besprochenen Kassetten schickt, was für mich, das einzige emotionale Highlight des ansonsten schwer ermüdenden Films darstellt.

Trotzdem gibt es einen halben Affen mehr, für die wirklich schöne leise, unaufdringliche Einleitung des Films, in der die Sommeraffäre zwischen Michael und Hanna beschrieben wird, und die mich liebevoll, an einen sorgfältig inszenierten Softporno erinnert hat, wobei ich mich leider nicht entsinne, einen solchen jemals gesehen zu haben, „sorgfältig inszeniert“ meine ich. Von mir aus, hätte der Film nach diesem Kapitel Enden können. Ich muss sagen, ich beneide David Kross ein bisschen dafür, sich mit Kate Winslet nackt im Bett herumgewälzt zu haben, nachdem er vermutlich zu jung ist, um unzählige Male von seiner Freundin in “Titanic” geschleppt worden zu sein…was für ein Glückspilz.

Autor: André